Seguimos con los vellos de punta por lo vivido hace sólo unas horas en el puerto de Vigo. Anoche se volvió a demostrar que el pop español de los 80 y 90 sigue más vivo que nunca. Una ciudad con una relación especialmente intensa con la música y con una generación de artistas que marcó una época se volcó con el concierto del ciclo Son de Mar, convirtiendo el recinto en un enorme coro. De principio a fin, el público cantó, bailó y reconoció cada una de esas canciones que forman parte de la memoria musical de varias generaciones.

Y de verdad que para doscondos fue un momento muy especial ver reunidos en una misma noche, en un mismo escenario, frente a una marea de personas entregadas a la música a cuatro enormes bandas que hicieron lo que mejor saben hacer: recorrer con su talento e inspiración algunos de los momentos más importantes del pop español.

Va a resultar dificil olvidarnos de momentos tan mágicos como la apertura de la noche a cargo de Tam Tam Go! recuperando algunas de las canciones que han hecho del grupo de los Campillo uno de los referentes del pop español o la facilidad con que Cómplices, jugando como locales, conectaron especialmente con un público que conoce y conserva en la memoria canciones que forman parte de la historia sentimental de los 80 y los 90. La actuación de María y Teo volvió a poner en primer plano la capacidad de sus canciones para atravesar generaciones.

Rafa Sánchez tomó después el escenario para reivindicar el legado de una trayectoria vinculada a algunos de los grandes himnos del pop español. Su repertorio volvió a provocar un coro colectivo entre el público, en una de esas escenas que explican por qué determinadas canciones nunca desaparecen. Y cerrando la noche, Amistades Peligrosas puso el broche a una velada marcada por la nostalgia, pero también por la plena vigencia de unas canciones que continúan emocionando y haciendo cantar. Una actuación que confirmó la conexión del grupo con un público que conoce cada letra y que volvió a convertir sus grandes éxitos en auténticos himnos colectivos.

La noche de Son de Mar en Vigo deja una imagen especialmente significativa: cuatro artistas, cuatro trayectorias y un mismo público cantando sus canciones. Una muestra de que el repertorio de los 80 y 90 continúa teniendo una enorme capacidad de convocatoria y de que sus protagonistas siguen ocupando un lugar privilegiado en la música en directo.

Para doscondos, ha sido además una de esas noches que resumen el valor de nuestro trabajo: reunir talento, trayectoria y grandes canciones sobre un mismo escenario y comprobar, una vez más, que el público sigue queriendo vivirlas en directo.

Starlite Marbella es mucho más que uno de los grandes festivales musicales del verano. Se ha convertido en uno de los eventos de referencia de España, por el que cada temporada pasan por el ya mítico escenario de cantera de roca algunos de los artistas nacionales e internacionales más importantes. Y anoche, Starlite quiso rendir homenaje a una de las épocas más brillantes de nuestra música: la Movida y el pop español de los años 80 y 90.

Para hacerlo, reunió sobre su escenario a algunos de los artistas que mejor representan aquella generación y que, varias décadas después, continúan llenando escenarios y conectando con el público. Y en esa noche tan especial, doscondos aportó un auténtico póker de estrellas: Rafa Sánchez, Cómplices, Tam Tam Go! y Marilia.

Cuatro nombres fundamentales de nuestra historia reciente que representan cuatro formas diferentes de entender el pop, pero que comparten algo esencial: un repertorio de canciones que forma parte de la memoria musical de varias generaciones.

Rafa Sánchez, con el legado de La Unión; Cómplices, con sus canciones convertidas en auténticos clásicos; Tam Tam Go!, protagonistas de algunos de los grandes éxitos de aquella época; y Marilia, poniendo voz a las canciones que hicieron de Ella Baila Sola uno de los fenómenos más importantes del pop español de los 90. Cuatro artistas que demostraron sobre el escenario de Starlite que aquello que fue importante entonces sigue siendo relevante hoy.

Porque la nostalgia explica solo una parte de lo que está sucediendo. El verdadero fenómeno está en que estas canciones siguen llenando conciertos. El público que las escuchó por primera vez hace tres o cuatro décadas continúa queriendo vivirlas en directo, mientras nuevas generaciones las descubren, las hacen suyas y las incorporan a su propia banda sonora.

Y lo ocurrido anoche en Marbella es también un reflejo de lo que está sucediendo este verano en los escenarios españoles. Los artistas de doscondos están protagonizando una temporada especialmente intensa, con conciertos, festivales y teatros llenos y una respuesta del público que demuestra que el gran pop español de los 80 y 90 está más vivo que nunca.

Anoche, en Starlite Marbella, fue la noche doscondos.

Si hace unos días escribíamos por aqui sobre los teatros como esos espacios donde la música se disfruta desde la cercanía y la emoción, hoy queremos mirar hacia el otro extremo. Porque si un teatro invita a escuchar, un festival invita a celebrar. Es la gran fiesta del verano: miles de personas compartiendo canciones, recuerdos y emociones con sus artistas favoritos.

Y España lleva tiempo viviendo un momento extraordinario. Los festivales se han consolidado como uno de los grandes motores de la música en directo y también de la economía. En 2025, la recaudación por venta de entradas superó los 807 millones de euros, mientras que el impacto económico generado por conciertos y festivales rondó los 5.800 millones. Más allá de las cifras, estos eventos llenan hoteles, restaurantes y comercios, convirtiéndose en un importante impulso para el turismo y la actividad local.

Pero su verdadero éxito está en otro lugar: en la experiencia. Un festival ya no es solo un concierto. Es pasar un día con amigos, descubrir nuevos artistas, disfrutar del ambiente y cantar al unísono canciones que forman parte de nuestra vida. Son recuerdos que empiezan mucho antes del primer acorde y permanecen mucho después de que se apaguen las luces.

Una de las claves del éxito de los festivales es el protagonismo de los artistas que marcaron los años 80 y 90. Lejos de ser un fenómeno de nostalgia, sus conciertos demuestran que las buenas canciones nunca pasan de moda. Cada vez es más habitual ver a varias generaciones compartiendo un mismo concierto. Padres e hijos cantan juntos temas que han resistido el paso del tiempo y que siguen emocionando igual que hace décadas. Esa conexión convierte a los festivales en mucho más que una cita musical: son un punto de encuentro entre generaciones.

En doscondos tenemos la suerte de comprobarlo cada temporada. Sin ir más lejos, todavía estamos flipando con la brillante actuación que se marcaron nuetros chicos de OBK  hace dos días en el Doñana Music Experience  junto a Fangoria) o la enorme acogida que también tuvo Jordi en el Brisa Festival de Málaga o el Gran Reserva en Calahorra. Chiclana también ha sido testigo estos días de la experiencia de reunir, en una noche llamada » Así fueron los 80″, a Rafa Sánchez y OBK en el marco del Concert Music Festival. El cantante de la Unión fue protagonista del festival solidario Play4Life y Tam Tam Go! también brilláron, junto a OBK, en el Solazo Fest de Almería. Como sabéis doscondos siempre es protagonista en los divertidísimos Love the 90´s  donde este años actuaron también Cómplices, Amistades Peligrosas, Alejo Stivel y Marilia, entre otros.  Ejemplos que demuestran que hay canciones capaces de reunir a miles de personas para celebrar la música con la misma ilusión de siempre.

Porque esa es la esencia de un festival. Si los teatros nos regalan la emoción más íntima, los festivales nos recuerdan la felicidad de compartirla. Y pocas imágenes representan mejor el verano que un escenario al aire libre, miles de voces cantando al unísono y una canción que, generación tras generación, sigue formando parte de nuestra historia.

Nos vemos frente al escenario. Allí donde la música deja de sonar para empezar a vivirse.

En una época en la que la industria musical parece medir el éxito por el número de asistentes, los grandes escenarios o las producciones cada vez más espectaculares, los teatros siguen recordándonos que hay otra forma de vivir la música.

En doscondos hace tiempo que vimos en los teatros una forma más cercana, más íntima o más humana de mostrar todo lo que los artistas tienen dentro. Los buenos datos de asistencia que siguen registrando muchos teatros de nuestro país demuestran que el público continúa buscando experiencias donde la música sea la auténtica protagonista. Espacios donde cada canción pueda respirarse, donde cada silencio tenga sentido y donde la conexión entre el artista y quienes ocupan las butacas sea mucho más directa.

No es casualidad que muchos músicos describan los conciertos en teatros como algunos de los más especiales de sus giras. La cercanía física elimina barreras. Las miradas se cruzan con facilidad, las emociones se perciben con mayor intensidad y cada interpretación adquiere un significado distinto.

También cambia la actitud del público. Quien entra en un teatro suele hacerlo con una predisposición diferente: escuchar, emocionarse y dejarse llevar por la propuesta artística. La experiencia trasciende el espectáculo para convertirse en un encuentro entre quien interpreta y quien escucha.

Para los artistas, además, el teatro ofrece un entorno que favorece la creatividad. La acústica, el cuidado técnico y el propio respeto que inspira el espacio permiten explorar matices que en otros formatos resultan más difíciles de transmitir. Es un lugar donde la música puede mostrarse sin artificios y donde la interpretación recupera todo su protagonismo.

Eso no significa que los festivales o los grandes recintos hayan perdido valor. Cada formato responde a un momento diferente dentro de una carrera artística y todos cumplen una función esencial en la industria. Pero los teatros aportan algo que ningún otro escenario puede reproducir exactamente: la sensación de que cada concierto es único e irrepetible. Y podemos ejemplificarlo con los recuerdos de la actuación de OBK en un icónico teatro Kursaal a rebosar, a Rafa Sánchez actuando en sitios tan especiales como el teatro Apolo o La Latina con su gira «Biografía» en un formato específico para teatros, lo bien que está funcionando este año «Cómplices íntimo», una gira concebida para teatros y auditorios o la tremenda acogida de la vuelta a Madrid, en el teatro La Latina, de TamTamGo!

Quizá por eso siguen llenándose. Porque, en un mundo donde casi todo se consume a gran velocidad, entrar en un teatro es también una invitación a detenerse durante unas horas y escuchar de verda en los teatros más emblemáticos.

En doscondos creemos que el crecimiento de un artista no solo se construye sumando conciertos, sino creando experiencias capaces de permanecer en la memoria del público. Y pocas lo consiguen con tanta naturalidad como las que nacen entre el escenario de un teatro y el silencio expectante que precede a la primera nota.

Hay artistas que forman parte de la historia de la música y otros que, además, siguen escribiéndola cada día. Alejo Stivel pertenece a ambas categorías.

Fundador y voz de la mítica banda Tequila, protagonista de algunos de los himnos más emblemáticos del rock en español, Stivel atraviesa uno de los momentos de mayor visibilidad mediática de los últimos años. Su presencia en programas de máxima audiencia como Pasapalabra (Antena 3) y en espacios culturales de referencia como Shuka, en La 2 de TVE, confirma que su figura continúa despertando el interés de públicos de distintas generaciones.

Pero la actualidad de Alejo Stivel va mucho más allá de sus apariciones televisivas. El artista acaba de sorprender al panorama musical con el lanzamiento de «Déjame en paz«, una colaboración inédita junto al legendario cantautor cubano Silvio Rodríguez. Una canción nacida de una amistad de más de cinco décadas en la que Silvio firma la letra, Alejo compone la música y ambos comparten la interpretación. Un encuentro artístico excepcional que ha sido recibido con enorme interés por medios y seguidores de ambos artistas y del que hacemos un resumen.

Carles Francino, un enamorado de ambos artistas, les entrevistó en La Ventana de la Cadena SER.

Nuestro Alejo también ha sido protagonista en televisión. Sucka, una de las apuestas culturales más importantes de la TVE, no perdió la ocasión de conocer cómo se gestó la idea de esta canción.

El programa concurso de más audiencia en la televisión de nuestro país, Pasapalabra, también disfrutó de la sapiencia de Alejo Stivel

Medios de comunicación tan dispares como El País , El Mundo, El Diario, ABC,  Telemadrid o Infolibre, entre otros, también se han hecho eco de este lanzamiento conjunto entre dos monstruos de  la canción.

El tema supone además un acontecimiento singular dentro de la trayectoria de Silvio Rodríguez, al acercarse por primera vez a los códigos del rock, un género que Alejo domina como pocos gracias a una carrera que ha dejado huella tanto sobre los escenarios como en los estudios de grabación.

Alejo Stivel demuestra que la mejor manera de honrar el pasado es seguir creando. Su capacidad para conectar con nuevos públicos, mantenerse presente en los medios y seguir generando proyectos musicales relevantes confirma que su nombre continúa siendo sinónimo de talento, experiencia y absoluta vigencia.

Mientras, Alejo sigue girando este verano por los principales escenarios de nuestra geografia dando muestras de uno de lo directos más electrizantes que se puedan ver hoy porque las leyendas no solo se recuerdan sino que también siguen marcando el ritmo del presente.

Es uno de los asuntos que más está dando que hablar estos días, por no decir que es el gran asunto que tendremos que resolver o regular más pronto que tarde. Escribimos a raíz de las reclamaciones realizadas por representantes de nuestra industria musical durante el Primavera Sound de Barcelona que han vuelto a situar en el centro del debate una cuestión clave para el futuro del sector: cómo garantizar que autores, compositores y artistas participen en el valor económico generado por las herramientas de inteligencia artificial entrenadas con sus obras. Más allá de la tecnología, la discusión afecta al modelo de negocio de la música y a la sostenibilidad de todo el ecosistema creativo.

Durante años, el debate sobre la inteligencia artificial aplicada a la música se ha centrado en una pregunta aparentemente sencilla: ¿puede una máquina crear canciones? Sin embargo, mientras la tecnología avanza a una velocidad vertiginosa, la industria musical empieza a plantearse una cuestión mucho más importante: ¿quién va a cobrar por ellas?

La reciente reclamación de compañías discográficas, editoriales musicales y organizaciones de gestión de derechos durante el Primavera Sound ha puesto sobre la mesa un asunto que afectará al futuro económico de todo el sector. No se trata únicamente de proteger la creatividad humana. Se trata de determinar cómo se repartirá el valor económico generado por una tecnología que se ha desarrollado utilizando millones de obras musicales creadas por compositores, productores e intérpretes durante décadas.

El nuevo petroleo de la música son los datos. Las plataformas de inteligencia artificial necesitan enormes cantidades de información para aprender. En el caso de la música, esa información son canciones. Millones de grabaciones, letras, melodías, armonías y arreglos musicales han servido para entrenar algoritmos capaces de generar nuevas composiciones en cuestión de segundos. Desde la perspectiva tecnológica, estos datos son imprescindibles para el funcionamiento de los modelos. Desde la perspectiva de la industria musical, constituyen un activo económico de enorme valor que pertenece a autores, editoriales, productores y compañías discográficas. Por eso la discusión actual no gira únicamente en torno al copyright tradicional, sino alrededor de una nueva economía de los datos creativos. Hay estudios que avanzan que la IA podría reducir hasta un 28% los ingresos por derechos de autor musicales para el año 2028. Esto supondría una pérdida de alrededor de 100 millones de euros solo ese año, y un acumulado de entre 160 y 180 millones en el periodo 2025-2028.

El mensaje que están lanzando los principales actores del sector es claro: si las empresas tecnológicas obtienen ingresos gracias a sistemas entrenados con música protegida, los titulares de esos derechos deben participar también en los beneficios generados. La situación recuerda a otros momentos de transformación de la industria musical. Ocurrió con la radio, la televisión, las plataformas de streaming…Cada nueva tecnología obligó a renegociar los mecanismos de remuneración para los creadores. Obviamente, la inteligencia artificial parece destinada a seguir el mismo camino. La diferencia es que, en esta ocasión, la negociación afecta al propio proceso de aprendizaje de la tecnología y no únicamente a la explotación posterior de las obras.

El negocio hasta hoy ya lo conocemos. A partir de hoy lo tendremos que investigar pero estamos hablando de un mercado multimillonario en construcción donde las previsiones económicas sobre el mercado de la inteligencia artificial aplicada a la música apuntan a un crecimiento exponencial durante los próximos años. La pregunta que comienza a preocupar a los profesionales del sector es si ese crecimiento económico se producirá con la industria musical o a costa de ella. Si los modelos de IA generan valor utilizando repertorios construidos por generaciones de compositores y artistas, parece lógico que exista un sistema de licencias capaz de redistribuir parte de esa riqueza. No hacerlo supondría crear una paradoja económica: una tecnología que prospera gracias a la creatividad humana sin retribuir adecuadamente a quienes la hicieron posible.

Aunque el debate suele presentarse como un conflicto jurídico sobre derechos de autor, en realidad estamos ante una cuestión económica de primer orden. Lo que se está negociando es el modelo de negocio de una nueva etapa de la industria musical. Las decisiones que se adopten durante los próximos años determinarán cómo se remunera la creación, qué papel desempeñarán las entidades de gestión, cómo se licenciarán los catálogos y qué parte del valor generado por la inteligencia artificial regresará a los artistas y compositores.

La inteligencia artificial no es el enemigo de la música, como tampoco lo debería haber sido la aparición de Internet para las discográficas. De hecho, puede convertirse en una herramienta extraordinaria para la creatividad, la producción y el desarrollo de nuevos formatos. Pero para que esa innovación sea sostenible necesita apoyarse sobre un principio básico: quienes aportan el contenido que alimenta estos sistemas deben formar parte del modelo económico resultante.

La industria musical no está intentando frenar la innovación. Está reclamando algo mucho más razonable: participar en el valor que contribuye a generar. Porque detrás de cada algoritmo capaz de crear una canción existe una realidad incuestionable: miles de compositores, artistas y productores que escribieron primero las canciones de las que aprendió la máquina. Y el futuro de la música dependerá, en gran medida, de cómo se resuelva esa ecuación.

En doscondos creemos que la innovación y la creatividad deben avanzar de la mano. La inteligencia artificial puede aportar nuevas oportunidades para la industria musical, pero su desarrollo debe construirse sobre principios de transparencia, reconocimiento y remuneración justa para quienes crean las canciones que dan sentido a todo el sistema.

Artículo de Fernando Sánchez Luque

El viernes pasado pasamos un rato muy divertido en Antena 3 viendo cómo defendió Jesulín de Ubrique su actuación sobre un tema de Rafa Sánchez. Lo cierto es que la música tiene la capacidad de detener el tiempo y en el programa de esa cadena «Tu cara me suena», vivimos uno de esos momentos especiales.

Con una extraordinaria caracterización y una interpretación cargada de sensibilidad, Jesulín de Ubrique se metió en la piel de Rafa Sánchez para revivir uno de los grandes éxitos de La Unión. Un homenaje realizado con respeto, cariño y una sorprendente fidelidad que emocionó tanto al público como al propio artista. En este enlace podéis ver la actuación.

La actuación alcanzó su punto culminante con la aparición de Rafa Sánchez sobre el escenario, compartiendo un momento único que llenó el plató de emoción, recuerdos y complicidad.

Desde doscondos queremos felicitar a todo el equipo del programa por la magnífica producción de esta actuación, así como agradecer el cariño recibido por Rafa y por el legado musical de La Unión, cuyas canciones continúan formando parte de la memoria sentimental de varias generaciones.

Porque cuando una canción trasciende el tiempo, deja de ser solo música para convertirse en historia.

OBK continúa acumulando «sold outs» en los escenarios españoles y consolidándose como uno de los grandes referentes del pop electrónico nacional. Jordi Sánchez sigue demostrando que sus himnos atraviesan generaciones y mantienen intacta su capacidad para conectar con el público en directo. Este verano volverán a hacerlo en uno de los eventos musicales destacados de la temporada: el Doñana Music Experience, donde actuarán el próximo 2 de agosto compartiendo cartel con otra de las grandes bandas del pop electrónico español, Fangoria, en una noche que promete convertirse en uno de los momentos musicales del verano en las costas del sur.

OBK sigue además recorriendo el país con su gira “Vértigo”, con la que celebran 35 años de trayectoria y repasan los grandes éxitos que han marcado la historia del pop en España. Coincidiendo con este aniversario, OBK también ha publicado recientemente su nuevo álbum, “Vértigo”, un trabajo que ha tenido una excelente acogida y que ha debutado directamente en el Top 10 de los discos más vendidos, confirmando el gran momento que vive el grupo.

La gira “Vértigo” continuará durante los próximos meses con nuevas fechas y culminará con grandes conciertos en algunas de las principales capitales del país, entre ellas Barcelona, donde actuarán en el Sant Jordi Club, y Madrid, con una cita muy especial en el Movistar Arena, poniendo el broche final a una gira que celebra más de tres décadas de música y conexión con el público.

«Vértigo» ya está en el mercado desde el pasado viernes. La música electrónica en español vuelve a latir con fuerza con el lanzamiento del nuevo trabajo de Jordi Sánchez desde hace doce años. Los medios de comunicación ya se han hecho eco de un lanzamiento que conecta emoción, memoria y sonido contemporáneo.
Un trabajo que confirma su vigencia y su capacidad para seguir marcando el pulso de varias generaciones. Estos son algunos de los ejemplos de la cobertura que los medios han hecho con «Vértigo».

@rtveplay ha entrevistado a Jordi para conocer más en profundidad los entresijos de «Vértigo».

@telemadrid no quiso perderse el lanzamiento de OBK e invitó a Jordi para que contase sus sensaciones tras el lanzamiento.

Jaime Cantizano también invitó a OBK en su @porfin  de las tardes de @Ondacero. En este enlace la puedes escuchar

Jordi Sánchez fue también protagonista de la entrevista de «El Español»

El vértigo sigue inudadndo los medios de comunicación. Un trabajo que confirma que OBK sigue manteniendo intacta esa sensibilidad que ha acompañado a su público durante décadas.